Wie Rotoskopie in der Praxis erfolgreich eingesetzt wird.

Mit hoher Wahrscheinlichkeit kennen Sie Animationsfilme wie Yellow Submarine (1968), Waking Life (2001) und A Scanner Darkly (2006) – Filme, die die Rotoskopie-Technik verwenden. Das Verfahren wurde vor etwas mehr als einem Jahrhundert von Max Fleischer erfunden, der seinen Bruder Dave filmte und anschließend das Live-Filmmaterial Bild für Bild mit einem Bleistift nachzeichnete. Er passte die Animation an die Proportionen einer Zeichentrickfigur an, die er gerade geschaffen hatte und voila, Koko der Clown war geboren.

Das Publikum war überall überwältigt von den unglaublich geschmeidigen, lebensechten Bewegungen von Koko. Jahre später begann auch das Disney Studio mit dieser Technik. Dieser Ansatz führte jedoch zu sehr naturalistisch wirkenden Darstellungen von animierten Charakteren – manchmal zu realistisch. Seit den 1980er Jahren verwendet jedoch eine wachsende Zahl von Regisseuren innovativere und experimentellere Ansätze für die Rotoskopie. Bei einigen Filmen in diesen Top 5 ist nicht sofort ersichtlich, dass Live-Action-Filmmaterial als Quelle der Animation verwendet wurde.

Ein Familien-Portrait, Joseph Pierce (2011)

Joseph Pierce erwähnte in einem Interview, dass er nicht wirklich gut zeichnen kann. Aber nachdem er „A Frame Portrait“ gesehen hat, scheint diese Bemerkung tangential zu sein. Pierce hat seine Schwäche in eine Stärke verwandelt. In „A Frame Portrait“ hält Pierce stets ein sorgfältig ausgearbeitetes Gleichgewicht zwischen dem Realen und Surrealen aufrecht. Die Zuschauer können sich mit den Figuren und der Situation in Verbindung setzen – ein Familienfoto-Shooting, während die surrealen Elemente es ihnen ermöglichen, sich mit den inneren emotionalen Kämpfen der Figur zu verbinden. Pierce verwendet die Rotoskopie, um wichtige Hintergrundinformationen über die Familiendynamik zu visualisieren, anstatt den Dialog zurückzunehmen, um Dinge zu erklären. Die Story ist tiefgründig und sorgt auf dieser Basis für einen besseren Film.

Club-Drunk, Mitchell Crawford (2015)

Vielleicht ist dies Ihr üblicher Samstagabend, vielleicht aber auch nicht. Dieser animierte Kurzfilm lässt Sie eine chaotische und schillernde Partynacht erleben. Man könnte es auch als „wildes Rotoskopieren“ bezeichnen. Es ist fast so, als ob auch das Tracing in betrunkenem Zustand durchgeführt wurde. Mitchell Crawford zeichnet Live-Action-Bilder mit wackeligen Linien nach. Kombiniert mit halluzinogenen visuellen Effekten gelingt es ihm, einen betrunkenen und im Drogenrausch versetzten Geisteszustand zu visualisieren. Der wackelige Hintergrund betont den Partymodus. Durch das Live-Action-Quellmaterial verliert das Publikum nicht den Kontakt zu den realen Bezügen. Statt eines traditionellen Handlungsbogens konzentriert sich Club Drunk auf die Darstellung einer Atmosphäre. Nachdem Sie diesen Film gesehen haben, fühlen Sie sich vielleicht selbst ein wenig unter Drogeneinfluß.

How Long, Not Long, Michelle und Uri Kranot (2015)

How Long, Not Long ist ein einzigartiger Ansatz für einen animierten Dokumentarfilm. Die Erzählung ist assoziativ, was nicht zu einem durchschnittlichen Dokumentarfilm passt. Die Verwendung von Rotoskopie verleiht diesem Film einen dokumentarischen Charakter. Wir erkennen die historischen Ereignissen aus dem Fernsehen, den Zeitungen, den Geschichtsbüchern und dem Internet. Zusätzlich wurden Live-Action-Referenzen verwendet, um alltägliche Rituale aus Kulturen auf der ganzen Welt zu visualisieren. Die begrenzte Farbpalette betont das Wesen der Bilder: Wir sehen nur das, was wirklich zählt. Michelle und Uri Kranot verwenden einen malerischen Stil, um eine Atmosphäre und ein Gefühl darzustellen. Den historischen Bildern, die sich auf Fremdenfeindlichkeit, Gewalt und Intoleranz beziehen, werden Bilder der Natur, des Tanzes, des Spiels und einer Fülle von verschiedenen Kulturen gegenübergestellt. Mit reinen Bildern und Musik vermitteln Uri und Michelle Kranot ihre Botschaft auf wunderbare und poetische Weise.

Na cidade / In der Stadt, Delia Hess (2010)

Die Kunst des Unterlassens. Mit dem Rotoskopieren können Sie Elemente aus Ihrem Bild löschen, ohne die Erkennbarkeit zu beeinträchtigen. Delia Hess verwendet bewegliche Quadrate, um einen Zug anzudeuten und drei einfache Formen bilden ein Auto. Weniger ist in diesem Fall mehr. Die Regisseurin schildert ihre Erfahrung, in einer neuen Stadt anzukommen. Alles ist noch unbekannt, deshalb sind große Teile des Bildes „unvollständig“. Teile der alltäglichen „Stadtlandschaft“, wie Muster, Tiere, Menschen und Fahrzeuge, wurden abstrahiert, aber ihre lebensechten Bewegungen sind durch die Rotoskopietechnik erhalten geblieben. Der Zuschauende ist aufgefordert, Teile des Bildes unkonventionell und vollständig im Kopf zu denken und dabei Raum für seine persönliche Interpretation zu lassen.

In Other Words, Tal Kantor (2015)

Ein weiterer innovativer, persönlicher Ansatz für die Rotoskopie. In Other Words ist ein weiteres gutes Beispiel für die Kunst des Auslassens. Tal Kantor zeigt nur das, was in der Geschichte wichtig ist. Ein Mann denkt über eine verlorene Gelegenheit nach, mit seiner Tochter zu kommunizieren. Die Welt um ihn herum ist visuell leer. Nur das, woran er sich erinnert, wird visualisiert. Wenn er über diesen Moment nachdenkt, sieht er seine Tochter. Genauer gesagt, er erinnert sich an ihre Augen und Arme. Ihre tadelnden Augen, ihre Hände, die buchstäblich mit den Worten auf dem Tisch spielen – vielleicht die Worte, nach denen Ihr Vater sucht. Die Figuren sind von Worten umgeben. Live-Action und gezeichnete Bilder sind in dieser Animation kombiniert, die Form und Inhalt nahtlos ineinander übergehen lässt.

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